Le premier volume de la nouvelle collection Soleil mineur paraît à l’occasion de l’exposition Le Palais des tressaillements, sous le titre The Shudder Palace.

La publication explore la manière dont nous sommes façonnés, souvent inconsciemment, par les images qui nous entourent et celles dont nous héritons. Se déployant comme une architecture fictive, à mi-chemin entre les archives, le théâtre et la ruine, Le Palais des tressaillments est peuplé d’images qui semblent à la fois familières et étrangement déplacées, comme si elles étaient issues de rêves ou extraites d’histoires incomplètes. Tout au long de l’exposition, des corps apparaissent dans des états de performance, de rituel, d’immobilité, de résistance, d’intimité et de transformation. L’identité et la photographie apparaissent non pas comme des entités figées, mais comme une matière instable, sans cesse répétée, héritée, défait et refaite. La photographie y est entendue moins comme une preuve que comme un matériau hanté, capable de préserver des traces tout en révélant la perte, la distance et la disparition. Les artistes participants travaillent à travers des processus de fragmentation, de répétition, de reconstitution, de superposition et de reconstruction, récupérant et rouvrant les images à de nouvelles significations et à de nouveaux récits.

La publication comprend un essai original de Danaé Panchaud et Paloma Jones Revaud, ainsi qu’une présentation des seize artistes internationaux participant au projet, des reproductions d’œuvres et des vues de l’exposition, une affiche au format A2 et plusieurs objets graphiques.

Première monographie de la photographe sud-africaine et néerlandaise Farren van Wyk, Mixedness is my Mythology explore les thèmes de l’identité, de la représentation et de l’autonomie individuelle.

En juxtaposant son expérience vécue aux Pays-Bas et son héritage historique en tant que personne originaire de l’Afrique du Sud post-apartheid, Farren van Wyk situe sa pratique dans un espace où les récits personnels croisent les grandes histoires de la représentation, du colonialisme et du pouvoir, pour aboutir à une œuvre à la fois profondément intime et d’une grande résonance.

À travers des photographies de sa famille s’occupant de ses terres ou se livrant à des gestes empreints de tendresse et de soin, Farren van Wyk développe sa propre iconographie singulière, examinant la construction d’une identité hybride façonnée par la migration, la diaspora et l’intersectionnalité culturelle. Réunissant des références culturelles sud-africaines, néerlandaises, afro-américaines et européennes classiques, de multiples lignées coexistent au sein de ses images, résistant aux définitions figées et aux origines uniques. En construisant cette mythologie personnelle, ancrée dans l’histoire familiale, l’imagerie iconique et les symboles culturels réappropriés, van Wyk affirme sa souveraineté visuelle, embrassant la complexité et les nuances tout en revendiquant le droit à l’autodéfinition.

Le projet est présenté dans le cadre de l’exposition Minor Tides du 2 juillet au 10 octobre au Centre de la photographie de Genève (Espace Ami-Lullin).

À l’origine de 36 [36 plants en pot] se trouvent 36 œuvres originales de Magdalena Wysocka et Claudio Pogo. Chaque pièce originale est composée de deux impressions risographiques distinctes représentant des plantes en pot: ces impressions sont réalisées sur toile, puis découpées et assemblées à la main. Le matériau de base de ces impressions provient d’un modeste livret intitulé Topfpflanzen 1 [Plantes en pot 1], publié en 1977 par ZBE – Berlin Flowers.

Il existe peut-être une grammaire de la vie à laquelle aucun organisme n’échappe. Chaque être, de la plus petite spore au plus grand mammifère, porte en lui une syntaxe — une structure de réaction et de résistance. Le monde devient alors un texte d’affinités et d’aversions, écrit non pas en mots mais en molécules. Lorsque la lumière du soleil frappe une feuille, ou que des phéromones traversent une pièce, il n’y a pas de dialogue, mais il y a néanmoins du sens. On pourrait dire que tous les êtres vivants se lisent les uns les autres par la chimie. Ils déchiffrent: trop de sel, trop de lumière, trop de proximité. La plante se flétrit à côté d’une autre non pas parce qu’elle la déteste, mais parce que leurs alphabets s’entrechoquent. Le corps de l’une exprime ce que l’autre ne peut digérer. En ce sens, la coexistence n’est pas une harmonie, mais une traduction. Parfois, nous traduisons bien: les racines s’entrelacent, les espèces s’alignent, les écosystèmes trouvent leur équilibre sur une syntaxe invisible. Et parfois, la traduction échoue: une mauvaise interprétation de la lumière, une incompréhension de l’air, et ce qui poussait autrefois ensemble devient toxique. Barthes aurait pu dire que l’amour et l’aversion sont un seul et même acte sémiotique — tous deux sont des lectures de l’autre. "Détester", c’est reconnaître la grammaire de l’autre tout en refusant sa résonance. "Aimer", c’est dissoudre les frontières jusqu’à ce que les significations s’estompent. Ainsi, le jardin et le corps partagent un secret: ils sont tous deux des textes de négociation. Chaque organisme est à la fois un lecteur et une phrase — se réécrivant en réaction à la chaleur, à la pression et à la proximité. Le sol, la cellule, la peau : chacun est un paragraphe dans le discours infini de l’être.

The Palace [Le Palais], de l’artiste et photographe suédois Mårten Lange, est une série d’œuvres qui explore le rôle de l’architecture en tant que dépositaire de l’histoire, des souvenirs et des émotions. Pendant trois ans, Lange a photographié des sites historiques et archéologiques à travers l’Europe, principalement en Italie, en Grèce et en France. Il s’est concentré sur les éléments fondamentaux de l’architecture, tels que les portes, les fenêtres et les escaliers. Ces archétypes architecturaux ne racontent pas d’histoire précise concernant un lieu particulier. Au contraire, inspirés par l’ancien concept du "palais de la mémoire" – une technique mnémonique où les espaces servent à structurer la pensée –, ils permettent au spectateur de construire son propre labyrinthe, un univers visuel évocateur fait de passages secrets et de cachettes. Soulignant la charge psychologique que peut receler l’architecture, cette œuvre est une méditation sur la présence durable du passé.

Dirty [Sale], de Magdalena Wysocka, est un recueil de photographies trouvées qui ont été classées comme "schmutzig" (en français: "sales") par un logiciel d’intelligence artificielle appelé Clarifai.

Les photographies rassemblées dans cet ouvrage ont été trouvées dans une unique bibliothèque d’images, et remontent à la fin du 19e siècle. Datant de la période de la révolution industrielle, marquée par des découvertes scientifiques rapides, la production de masse et l’industrialisation, ces photographies représentent la nature dans sa forme la plus pure ainsi que les interventions humaines sur les paysages.

Le médium photographique lui-même revêt peut-être une importance égale, voire supérieure, à celle de la nature en tant que sujet de l’œuvre de Wysocka. Dirty est une exploration de ce qui, en photographie, est généralement considéré comme indésirable ou peut être écarté comme imparfait. La saleté, la poussière, le flou, les rayures et les fissures sur les négatifs laissent l’empreinte du temps qui passe et confèrent à la lecture de l’ouvrage un étrange sentiment de nostalgie. Dirty est une étude de la manière dont la photographie se transforme avec le temps, l’image étant, selon Susan Sontag, une interprétation du réel, une trace, quelque chose directement calqué sur le réel, une empreinte ou un masque mortuaire. Les couleurs fanées et décolorées sont reproduites et mises en valeur par la combinaison de deux techniques d’impression utilisées pour la production de l’ouvrage: l’offset et la risographie.

La pratique de Tim Bruggeman prend pour point de départ des images qui circulent déjà dans le monde, souvent dans des contextes très spécifiques: diapositives pédagogiques obsolètes, collections institutionnelles, archives de magazines, catalogues de ventes aux enchères. Par le biais de gestes de collecte, de réorganisation et de recadrage, il met au jour l’étrange charge émotionnelle et politique qui se cache au sein des systèmes de classification et de stockage.

Cette publication présente le contenu du dossier Narcissus. Looking into an (artificial) well of fountain [Narcisse. Regardant dans le bassin (artificiel) d'une fontaine]. Ce dossier fait partie des 18'000 dossiers thématiques conservés dans la collection photographique du Warburg Institute à Londres. Ces archives, organisées de manière iconographique, contiennent des reproductions de sculptures, de peintures, de dessins, d’estampes, de tapisseries et d’autres formes d’images, datant de l’Antiquité classique jusqu’aux environs de 1800. Toutes les photographies de cette publication ont été prises par Tim Bruggeman le 2 juillet 2023.

La Nonpareille prolonge l’installation in situ réalisée par Batia Suter à l’université technique de Delft (TU Delft), dans le cadre de laquelle elle s’est penchée sur une collection de diapositives sur verre provenant de la bibliothèque de l’établissement. Utilisées à l’origine entre 1900 et 1960 pour des cours de technologie mécanique, ces diapositives, visiblement usées, documentent des machines, des matériaux industriels et des processus de production à une époque marquée par une mécanisation croissante. Batia Suter réinterprète ce matériel pour en faire une réflexion visuelle sur l’imbrication entre l’homme et la machine – et sur la manière dont la technologie remodèle la perception, le travail et la vie quotidienne. De nombreuses compositions du livre consistent en des montages en couches, où plusieurs images se superposent pour créer de nouvelles formes et associations transformées.

Crest [Crête] se déroule dans une vallée alpine isolée et enclavée, nichée à la frontière entre la Suisse et l'Italie. En s'appuyant sur la géographie de ce paysage, l'ouvrage explore les notions d'isolement, d'appartenance et de chez-soi. Entouré de montagnes escarpées, le passage du temps et la solitude se mêlent au plus profond des parois de haute montagne, pour dresser le portrait d'un paysage isolé et mener une réflexion sur la place de chacun dans le monde.

Avec La Levée des corps, l’artiste suisse Virginie Rebetez poursuit sa recherche autour de la disparition, de la mémoire et des archives. Mandatée par le Service des Archives de l’État du Valais en 2021, la photographe a endossé le rôle d’une archiviste et s’est intéressée pendant deux ans aux dossiers de personnes qui se sont ôtées la vie entre les années 1910 et 1960. Des histoires de suicidé·es souvent cachées – ou que l’on s’est forcé·e d’oublier – qui, paradoxalement, se retrouvent aux Archives Cantonales dans des traces écrites de levées de cadavres faites par des médecins légistes, d’enquêtes policières ou de rapports de familles. L’artiste s’est plongée dans ces documents non publics, qu’elle a nettoyés, photographiés, numérisés avec l’aide d’une restauratrice. Avec ce projet, Virginie Rebetez sort ces histoires du silence et les met en lumière à travers différents mediums: des photographies, des reproductions d’archives, des vidéos, une sculpture ainsi que différents enregistrements sonores diffusés dans l’espace ou à écouter au casque. — Anne Jean-Richard Largey, directrice de la Ferme-Asile

La surreprésentation des personnes vulnérables dans le système pénitentiaire suisse est flagrante. À travers des entretiens approfondis avec des personnes incarcérées, ainsi que des contributions d’universitaires, le projet de l’artiste suisse Laurence Rasti vise à mettre en lumière les raisons sous-jacentes de cette réalité, qui semble constituer une punition délibérée infligée aux plus démunis. Ce projet est le fruit d’une collaboration dans le cadre de laquelle les personnes en détention créent des images au sténopé et par cyanotype de l’intérieur des murs, ce qui leur offre un espace d’expression et leur permet de devenir coauteurs et experts de leur propre situation. Parallèlement, des extraits de leurs témoignages ont été gravés dans le béton, venant briser le silence des murs de la prison à travers les échos des graffitis carcéraux. Le projet vise à susciter une réflexion critique sur le système pénitentiaire et ses lacunes intrinsèques, en remettant en cause les normes sociales et les politiques qui criminalisent la pauvreté et la migration.

Ce projet a été réalisé dans le cadre de l'enquête photographique neuchâteloise 2024, et exposé au Musée des Beaux-Arts du Locle (MBAL) en 2024-2025. La publication est accompagnée d’une contribution de Luca Gnaedinger, "À qui sont destinées les prisons ?", ainsi que d’un entretien avec Federica Martini et Laurence Rasti: "Speaking Out".

Büropflanze [Plantes de bureau] est une étude consacrée à la flore des bureaux allemands. Ce projet propose une réflexion sur les espaces de travail et remet intrinsèquement en question les formes et les valeurs de la vie professionnelle quotidienne. Ces petits éléments de nature, apportés presque inconsciemment sur le lieu de travail, semblent en dire long sur les besoins fondamentaux des êtres humains lorsqu’ils sont placés dans un environnement inorganique et standardisé, où tout ce qui s’y trouve est subordonné à des impératifs de fonctionnalité.

Même lorsqu’elle est fournie par l’entreprise comme élément décoratif, la plante de bureau est un élément autorisé à s’épanouir et à fleurir sans opposition: une petite touche d’anarchie au milieu d’un mécanisme rigide, quelque chose d’organique parmi les formes géométriques, une étincelle de vie au sein des mécanismes de contrôle. Contrairement aux cartes postales de vacances, aux photos de famille ou à d’autres tentatives visant à personnaliser l’architecture impersonnelle du bureau, les plantes sont sujettes au changement et à la croissance – parfois de manière totalement inaperçue, parfois sous une observation attentive et des soins attentionnés – jusqu’au plafond, autour du radiateur, et envahissant les stores. Les plantes ne peuvent être contrôlées que dans une certaine mesure, mais elles sont totalement dépendantes; elles doivent être arrosées et entretenues pour survivre dans un habitat aride et artificiel. De la salle du courrier au bureau du directeur général, on retrouve toujours les mêmes espèces de plantes robustes, importées de régions subtropicales et adaptées à la vie à température ambiante, aux périodes de sécheresse et aux inondations. La relation étroite entre les humains et les plantes peut durer de nombreuses années – parfois même toute une carrière.

Le 9 février 2020, à Mexico City, une femme de 25 ans, Ingrid E. V., est assassinée par son compagnon. Des photos macabres de ce féminicide commis par Erik Francisco Robledo Rosas, prises sur les lieux du crime par les autorités, ont été largement diffusées par la presse à scandale mexicaine, qui n’a pas hésité à afficher en une le corps démembré de la jeune femme. Cette manœuvre opportuniste de la presse à scandale, ainsi que la complicité de la police qui l’a rendue possible, a déclenché une vague de protestations. Encouragés par un tweet les invitant à contribuer à débarrasser Internet de ces images macabres, les utilisateurs des réseaux sociaux du monde entier ont publié de nombreuses photos de lacs paisibles, de couchers de soleil, de champs de fleurs et d’autres scènes de beauté naturelle sous le hashtag #IngridEscamillaVargas. En étroite collaboration avec Delia, à l’origine de cette réponse collective en ligne, et avec la maison d’édition indépendante mexicaine Gato Negro Ediciones, Zoé Aubry, qui travaille depuis 2017 sur le phénomène systémique et structurel des féminicides et sur les questions soulevées par leur couverture médiatique, a réalisé un ouvrage qui rend hommage à la mémoire d’Ingrid Escamilla Vargas, dénonce la violence à l’égard des femmes et fustige le voyeurisme d’une certaine frange de la presse.

Ces images ne s’adressent pas à nous, mais sont présentes et diffusées pour en faire disparaître d’autres. Pour son installation, Zoé Aubry a rassemblé les images qui ont été publiées au cours des semaines qui ont suivi le meurtre, dans le cadre de ce mouvement collectif visant à produire de l’invisibilité en exploitant les algorithmes. Elle les place toutes au premier plan de son installation de manière à recouvrir une cyanotype pixélisée de l’une des images de la scène de crime publiées dans la presse à sensation. Afin d’étendre ce travail de lutte et de revendication à l’espace public, elle invite chacun à rendre ces images visibles dans toute la ville dans le cadre d’une campagne participative d’affichage. Ce flux continu de photographies — avec les variations subtiles, les répétitions et les citations inhérentes au mouvement #Ingrid lui-même — refuse le voyeurisme incité par les images de violence et illustre l’utilisation de l’image comme arme contre la médiatisation, le gouvernement ainsi que la corruption policière.

A Wandering Soul [Une âme errante] est un recueil brut et intime de poèmes et de photographies. Il s’inspire de la nature, des comportements humains, des récits personnels, des inquiétudes existentielles, de la douleur, de l’amour et de l’imaginaire. Ce dialogue intuitif entre une poétesse et deux photographes contemporains d’exception réunit trois artistes qui partagent une tendre appréciation de la beauté et des souvenirs éphémères, reflétant un univers à la fois exquis, contradictoire et marqué par les conflits et l’incertitude.

Poèmes de Sandra Nedvetskaia et photographies d’Awoiska van der Molen et Peter Hauser

Le 20 février 1980, Jaime Tovar fut enlevé par les Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia (FARC) et contraint d’errer pendant des mois dans la forêt tropicale humide de l’Amazonie colombienne. Son fils Luis Carlos, l’auteur de ce livre, n’avait alors que quelques mois. Les guérilleros ont envoyé à sa famille un cliché Polaroid de leur otage pour prouver qu’il était toujours en vie. Ce projet prend sa source dans la recherche de cette photographie incertaine, mais il reflète un processus de redécouverte qui transcende l’événement lui-même. Il s’agit d’un exercice poétique qui évoque notre finitude et notre nature contingente, et qui explore l’héritage du passé comme notre seul mode de survie. L’absence de cette photographie fétiche donne naissance à un essai visuel performatif qui recourt aux mécanismes de l’appropriation et du collage afin de sortir la photographie autobiographique et documentaire de ses cadres conventionnels.

Le livre Jardín de mi padre [Le jardin de mon père] s’appuie sur la notion de post-mémoire comme un exercice de reconstruction imaginative de l’expérience, comme une thérapie intergénérationnelle qui donne la parole aux marginalisés et suscite une nouvelle empathie envers le passé.

"Je n’ai jamais vu un arbre produire autant de remèdes. Peut-être pleure-t-il tant à cause de tout le poison qui règne ici."
 
Cette citation, transmise à Lucas Olivet par Randy Dakota, un habitant de Prince George, a inspiré le titre de cet ouvrage consacré à la capitale du nord de la Colombie-Britannique: ce titre est à la fois un témoignage, un hommage et une prière. Accompagné d’un essai de Lauren Haddad, Medicine Tree propose une réflexion lyrique et intense sur une région à la fois sauvage et empoisonnée par l’industrie, méconnue de la majorité des Vancouvérois, ignorée des touristes, et qui subvient silencieusement aux besoins en pâte à papier et en papier du pays (Canada, États-Unis, Chine, au choix). Dakota, debout sur le gravier à côté de sa caravane, faisait référence à une épicéa noir couverte de résine collante.